Líbranos del mal (Scott Derrickson, 2014)

Líbranos del mal, enésima cinta de terror inspirada en casos reales, se estrana hoy mismo en las pantallas españolas.
Según reza la frase publicitaria que aparece en su cartel, la película está inspirada en una serie de casos reales en las que se vio envuelto Ralph Sarchie, oficial del departamento de policía de Nueva York. Dudo bastante que los casos investigados por el mencionado sargento sucedieran tal y como se cuenta en esta inclasificable cinta que puede llegar a descolocar al espectador, ya que su director no sabe muy bien si lo que nos quiere contar es un thriller sobrenatural con trazas de policíaco, o más bien un thriller policíaco con trazas sobrenaturales.
Scott Derrickson, un director de carrera algo irregular y con películas como El exorcismo de Emily Rose o el remake de Ultimátum a la Tierra en su haber, obtuvo hace unos años un moderado éxito con la cinta de sustos Sinister.
En su último trabajo, Derrickson regresa al género del terror sobrenatural para relatarnos una extraño caso de posesiones demoniacas, investigado por un descreído policía de Nueva York, interpretado por Eric Bana (Troya, Hulk), que pronto se verá obligado a pedir la ayuda del Padre Mendoza, un nada ortodoxo sacerdote especialista en exorcismos, interpretado por el actor venezolano Édgar Ramirez (La noche más oscura, El consejero), dando como resultado una especie de estrambótica buddy movie que, como he comentado antes no tiene muy claro a que género acogerse en ningún momento.
Tras un prólogo que nos sitúa en Irak donde tres soldados pertenecientes a los marines estadounidenses descubren algo extraño en una cueva oculta, la acción salta tres años en el tiempo y nos transporta a una ciudad de Nueva York, oscura y lúgubre donde se nos presenta de manera efectiva el atormentado carácter del personaje protagonista.
Con un guión escrito por el propio Derrickson, junto a Paul Harris Boardman, basándose en el libro del propio Ralph Sarchie, la cinta sabe construir de manera acertada una cierta tensión que mantenga interesado al espectador durante su primera mitad. Acertando de pleno sugiriendo, más que mostrando, al supuesto "villano" de la historia y limitando sus apariciones lo menos posible, pero lamentablemente, y según se va desarrollando la trama la película se va sumergiendo en todos los clichés manidos del género de terror, e incluso llegamos a ver persecuciones y alguna que otra pelea más propias de una película de acción, hasta llegar al inevitable exorcismo que se suele mostrar en el clímax de este tipo de películas.
Acompañan a los dos actores protagonistas, dos conocidos rostros televisivos como Olivia Munn (The Newsroom) y Joel McHale (Community), cumpliendo ambos eficazmente, pero especialmente McHale que muestra generosamente sus dotes humorísticas, erigiéndose como el alivio cómico de la cinta.
Aquellos que se acerquen al cine a ver Líbranos del mal y esperen la película de terror definitiva, quizá se sientan bastante decepcionados, ya que lo único que encontraran es una extraña mezcolanza de géneros, con algunos momentos que pueden producir la emoción contraria a la pretendida por el director, que sin ningún tipo de vergüenza se regodea en mostrar todo el catálogo de sustos del manual de este tipo de cine. En definitiva, una cinta entretenida para pasar el rato y poco más, pero que nos hace lamentarnos por la oportunidad perdida de, con los mimbres propuestos, haber creado una película verdaderamente terrorífica.

The Amazing Spider-man 2: El poder de Electro (Marc Webb, 2014)

El próximo jueves 17 de Abril, coincidiendo con los días festivos de Semana Santa, llega a las pantallas españolas The Amazing Spider-man 2: El poder de Electro, la esperada secuela de Amazing Spider-man dirigida por el también director de la primera entrega, Marc Webb.
Webb fue bastante criticado por una primera entrega que, a pesar de funcionar bastante bien en taquilla, no acabó de contentar a los fieles seguidores del trepamuros, que seguían defendiendo, obviando la tercera entrega, la versión que el director Sam Raimi había dado de la franquicia anterior, que aún estaba reciente en los corazones de los aficionados.
Pero, como todos sabemos, los personajes son franquicias y los poseedores de los derechos de Spider-man no van a detener una máquina de hacer dinero tan potente, así que tras el mencionado reboot de la franquicia, a cargo del director de (500) días juntos, se presentó este proyecto en el que continúan las aventuras de Peter Parker y su alter ego Spider-man.
La película es continuista con respecto a la primera parte, y el guión firmado por Alex Kurtzman, Roberto Orci y compañía nos presenta a un Peter Parker que, a pesar de seguir aún afectado por la muerte del Capitán Stacy, no ha renunciado a seguir combatiendo el crimen como veremos en una espectacular escena inicial en la que el espectador podrá contemplar a Spider-man y sus acrobacias en todo su esplendor, al tiempo que según se van desarrollando las diferentes tramas del film, asistiremos a cómo Peter prosigue indagando en los hechos que ocultan la misteriosa muerte de sus padres, a los que culpa por haberle abandonado.
Además de seguir con su lucha contra el crimen, Peter y Gwen Stacy continúan como pareja, a pesar de algunos problemillas y malentendidos que se irán desarrollando a lo largo de la película, momentos estos en los que Marc Webb se luce especialmente, sacándole el máximo partido a la relación que los dos actores protagonistas, Andrew Garfield y Emma Stone, mantienen en la vida real, mostrando en pantalla una increíble química como jóvenes enamorados.
Como novedades, y además de Electro, interpretado por Jamie Foxx, al que podríamos de calificar como villano principal de la función, veremos la presentación en sociedad de dos personajes importantísimos dentro de la mitología del arácnido, como son Norman Osborn (Chris Cooper) y su hijo Harry (Dane DeHaan), que desencandenarán una serie de inevitables acontecimientos que se irán desarrollando en las anunciadas secuelas, y que prometen darle bastantes quebraderos de cabeza al lanzarredes.
La aparición en el film de un villano como Electro, acompañado de sus poderes eléctricos, permite que las pocas escenas de acción que se muestran en la película brillen con luz propia (perdón por el chiste malo), siendo de lo más espectacular de la película en cuanto a escenas de acción, junto a algunas escenas de Spider-man balanceándose por la ciudad que vistas en 3D deben ser tremendamente apabullantes para el espectador.
La única pega que le podría poner a las escenas de acción es el abuso de la cámara lenta, que seguramente en 3D sean dignas de ver, pero que restan espectacularidad y sobre todo rapidez a las escenas de acción.
Como valoración personal, esta segunda parte no me ha acabado de convencer del todo, a pesar de todas sus virtudes, que las tiene, pero me ha gustado bastante más que la primera, que he de reconocer que me dejó más bien frío y me hizo añorar la dos primeras películas de la trilogía de Sam Raimi.
Aún así, es digno de elogiar el tono alegre y desenfadado, con muchos detalles dirigidos a la chavalería, que han querido imprimirle a esta segunda parte, alejándose del tono oscuro que planeaba sobre la primera parte y equilibrando las diferentes escenas de acción, dramáticas y sobre todo humorísticas, bastante mejor que su predecesora intentando asemejarse a las producciones de Marvel Studios.
En definitiva, si os gustó la primera parte, esta continuación os chiflará y, si por el contrario, no os acabó de convencer la primera parte, como fue mi caso, dadle una oportunidad, ya que al menos se ve el intento por parte de sus responsables de ir por otro camino y de mejorar los aspectos que no acabaron de funcionar de la primera parte.

RoboCop (José Padilha, 2014)

El próximo viernes 14 de Febrero se estrena en todo el mundo RoboCop, otro remake más que se une a la extensa lista de películas ochenteras que en los últimos años han ido contando con nuevas versiones. Si hace un tiempo llegó a las pantallas una nueva versión de Desafío Total, ahora nos llega la puesta al día de la película que en 1987 dirigiera el holandés Paul Verhoeven.
Vaya por delante que siempre es complicado enfrentarse a remakes de películas ochenteras que el público ha ido mitificando a lo largo de los años al crecer con ellas, a pesar de su discutible calidad, y es que ya se sabe que la nostalgia es mala compañera cuando a uno le da por recordar ciertas películas que no llegan a envejecer del todo bien.
Como la historia del personaje es de sobra conocida por todos voy a ahorrarme contar el argumento principal del que parte esta nueva versión del director brasileño José Padilha, que aparte de eso, poco o nada tiene que ver con la de Verhoeven, ya que ambas transitan por caminos ligeramente reconocibles, con varios guiños-homenajes incluidos, pero a su vez son bastante diferentes en sus planteamientos y lógicamente en su resultado final.
Tras salvar innumerables injerencias de los productores que tuvieron lugar durante el rodaje, y que llevaron a Padilha a desesperarse en más de una ocasión, el director de la magnífica Tropa de Élite ha trabajado con el guión escrito por Joshua Zetumer para alejarse bastante de la historia original, y mostrarnos una compleja trama política que sirve de trasfondo al drama psicológico y emocional del policía blindado, incidiendo en mostrar el drama que viven la esposa e hijo del protagonista, y el suyo propio al verse convertido en una máquina.
En el apartado actoral, hay que destacar los papeles de tres grandes actores como son Gary Oldman, que puede que sea de lo mejor de la película en su papel del Dr. Dennett Norton, un personaje con gran peso para la trama del film; Samuel L. Jackson, que está inmenso comiéndose la pantalla con cada una de sus intervenciones; y por supuesto y no nos olvidamos del ya veterano y carismático Michael Keaton. Por supuesto mención especial merecen también el protagonista Joel Kinnaman, rescatado de su papel de detective en la serie The Killing para encarnar a los míticos Alex Murphy y RoboCop, y a su compañero Jack Lewis (ahora Lewis es hombre y es de color), interpretado por Michael K. Williams, el inolvidable Omar Little de The Wire, que no tienen mucho material con el que lucirse, pero que tampoco lo hacen del todo mal.
Aquellos fans del film original que esperen acción desenfrenada, puede que se sientan defraudados, ya que a pesar de tener varias escenas de acción enérgica, y en ocasiones originalmente, rodadas, no podríamos calificar este RoboCop de cinta de acción al uso, ya que la trama es bastante más compleja de lo que uno podría haberse imaginado en un principio.
Para todos aquellos que se acerquen al cine temiendo encontrarse una película que copia punto por punto a la original, pueden estar tranquilos, ya que si se olvidan por un momento de que esta cinta es un remake disfrutarán de este competente y entretenido thriller policiaco con elementos de ciencia-ficción.

Lluvia de Albóndigas 2 (Cody Cameron y Kris Pearn, 2013)

Estrenada en nuestro país en 2009, y contando con el por aquel entonces popular Flippy de El Hormiguero como voz del personaje protagonista, la magnífica y divertida Lluvia de Albóndigas, no terminó de ser un gran éxito al nivel de las producciones de Pixar o Dreamworks, pero sin embargo si cosechó muy buenas críticas llegando a conseguir el éxito suficiente para que el estudio de animación responsable diera luz verde a una secuela que acaba de desembarcar en las carteleras españolas.
Además de las buenas críticas obtenidas, los directores Phil Lord y Christopher Miller consiguieron el reconocimiento necesario para encargarse de dos nuevos proyectos, la muy divertida Infiltrados en clase, película protagonizada por Jonah Hill y Chaning Tatum y el esperado (al menos por mí) film de animación Lego, La película, que llegará a las pantallas españolas el próximo 7 de Febrero.
Dirigida por Cody Cameron y Kris Pearn, esta nueva entrega de las alocadas aventuras del excéntrico inventor Flint Lockwood, retoma la acción justo donde terminaba la primera parte y nos vuelve a presentar a los personajes que protagonizarán esta nueva aventura, que deben abandonar la isla en la que habitaban, al quedar esta arrasada tras el apocalipsis gastronómico consecuencia de una de las invenciones de Flint.
A pesar de la catástrofe, el famoso inventor Chester V (que nos recordará al fallecido Steve Jobs), director de la prestigiosa The Live Corp Company, invita a Flint a formar parte de su empresa con el fin de usar su talento para desarrollar nuevas ideas e invenciones que cambien el futuro del mundo.
Cuando Chester V descubre que la máquina creadora de comida que Flint creó en la primera parte, ha comenzado a crear una serie de híbridos mezcla de animales y comida llamados Comidanimales de lo más variopinto y colorido, éste envía a Flint y a sus amigos a su antigua isla con el fin de recuperar la invención de Flint y salvar a la humanidad.
Lluvia de Albóndigas 2 no llega al nivel de hilaridad que me produjo la primera parte, pero en algunos momentos y en algunos gags concretos llega a alcanzar el nivel de genialidad de su predecesora, no obstante es una muy divertida película de animación en 3D, que recupera el espíritu de las películas de aventuras en parajes exóticas más clásicas y deja un regustillo de lo más agradable tras su visionado.
La única pega que podríamos poner a Lluvia de Albóndigas 2, y es una práctica cada vez más habitual  en cuanto a películas de animación que llegan a nuestro país, es la de buscar a actores españoles que no son especialistas en doblaje para prestar sus voces a los personajes, lo que desmerece en algunos momentos el disfrute de la película y cuya razón no es la de atraer a un público infantil, ya que muchas veces los niños que van a ver la película no saben ni quienes son los actores "famosos" que doblan a sus personajes de animación favoritos.
En definitiva, Lluvia de Albóndigas 2 es una película muy recomendable para llevar a los niños al cine en estas fechas post-navideñas en las que apenas se han estrenado películas orientadas a un público infantil, y cuyo 3D es sencillamente espectacular.
Y para terminar, solo me resta aconsejar a los verdaderos amantes de la animación, en todo su más amplio espectro, a que se queden a ver los títulos de crédito finales, ya que gozarán de lo lindo ante todo un abanico de técnicas de animación que van de la más tradicional a la animación de plastilina.

Capitán Phillips (Paul Greengrass, 2013)

El próximo 18 de Octubre llega a las carteleras españolas la nueva película de Paul Greengrass, que a su vez también lo es de Tom Hanks, director y actor, a los que últimamente teníamos perdida la pista.
Greengrass, director de prestigio conocido por la famosa saga de Jason Bourne, se aleja de la ficción y afronta esta película basada en hechos reales, como ya hiciera en United 93, en la que nos cuenta la tensa y dramática historia del secuestro de un capitán de un carguero norteamericano por parte de piratas somalíes.
La historia nos traslada a 2009, donde en aguas internacionales cercanas a Somalia, el carguero Maersk Alabama, capitaneado por el Capitán Richard Phillips, fue asaltado por piratas somalíes, y veremos como se desarrolló el asalto y posterior secuestro del Capitán.
La película arranca con un ritmo pausado y casi de documental, donde el director nos va mostrando como es el día a día en la vida de una tripulación de un carguero, para de repente, y sin previo aviso, meternos de lleno en una acción vertiginosa y en un suspense que mantendrá en vilo al espectador, y que no se detendrá en las más de dos horas de metraje de la cinta.
Por su parte Hanks, gracias a este papel probablemente aparecerá en todas las quinielas de los principales premios de interpretación como los Globos de Oro o los Oscar, ya que el galardonado actor realiza un trabajo soberbio metiéndose en el papel del Capitán Phillips.
Es necesario mencionar la excelente elección de los actores que interpretan a los piratas somaliés, destacando a Barkhad Abdi, que interpreta a Muse, el líder de los piratas, y que por supuesto también son parte esencial de la historia, recayendo en ellos parte del peso de una película, en donde también se nos muestran las razones que les llevan a ejercer la piratería.
Narrada con un ritmo y un pulso endiablados, y lo del pulso no va con segundas cuando nos referimos a un director que ha sido criticado en más de una ocasión por mover demasiado la cámara en anteriores trabajos, y que aquí hay que señalara que la cámara se sigue moviendo con su sello característico, y sin embargo no llega a molestar demasiado y la acción se nos muestra de manera clara.
Aquellos que se acerquen al cine a ver Capitán Phillips, encontrarán un emocionante y entretenido film que nos recupera a un director que demuestra que sigue estando en forma a la hora de contar una historia y mantener el interés del espectador, y también nos recupera a un actor como Hanks, que está brillante en esta interpretación, y al que lamentablemente no veíamos en las pantallas españolas desde El Atlas de las Nubes, a la espera que se estrene su esperada y polémica Saving Mr. Banks, que nos llegará en Enero.

2 Guns (Baltasar Kormákur, 2013)

Durante la proyección de 2 Guns tuve la agradable sensación de retroceder en el tiempo hasta los ochenta, aquella maravillosa década en la que las denominadas buddy movies dominaban las carteleras de todo el mundo con el único objetivo de entretener al personal y de paso reventar las taquillas de los cines a base de tiros, explosiones y muchos chistes. Esa misma sensación la tuve recientemente al revisionar Tango & Cash, una de las películas que mejor definiría el concepto de buddy movie, y con la que 2 Guns tiene más de un punto en común, y que además ha servido para descubrirme a Baltasar Kormákur, director de origen islandés al que no tenía el gusto de conocer hasta este film, con el que ha despertado mi curiosidad por su trabajo y que ha hecho que me interese por algunos de sus films anteriores, como por ejemplo Contraband, que me dispondré a ver en cuanto acabe esta reseña.
2 Guns está basada en el cómic homónimo de BOOM! Studios obra de Steven Grant, un guionista veterano adscrito al género negro, y del dibujante Mateus Santolouco, cómic publicado recientemente por Norma Editorial, y que aún no he tenido la oportunidad de leer, pero que si he podido ojear dándome la impresión, no sé si equivocada o no, de que la película es bastante fiel al material original que adapta.
La película comienza con dos atracadores Bobby y Stig, interpretados por Denzel Washington y Mark Whalberg, preparándose para atracar un banco de un pequeño pueblo, y hacerse con el dinero de un capo de la mafia mejicana. A continuación gracias a un flashback la acción nos traslada a unos días antes del atraco e iremos averiguando quienes son realmente los personajes protagonistas, todo un acierto por parte del director que no te desvela todas sus cartas, dando a pie a que el espectador pueda sorprenderse según va avanzando la trama.
No quiero desvelaros muchos más detalles del argumento sin estropearos algunos momentos que, sin duda, merecen la pena ser vistos sin información previa de ningún tipo, por lo que yo os recomendaría que os abstengáis de ver trailers o de leer sinopsis de ningún tipo para que podáis disfrutar plenamente de 2 Guns. Un film de lo más entretenido al más puro estilo buddy movie, y me aventuraría a decir que de lo mejor que hemos podido ver en las pantallas últimamente en cuanto acción pura y dura, con un ritmo frenético, unos diálogos muy divertidos, y una excepcional pareja de actores protagonistas con una gran química entre ellos y es que tanto el Oscarizado Washington como Walhberg, al que hemos podido disfrutar recientemente en la gran Dolor y Dinero, están enormes y dan todo un recital en los momentos en los que ambos actores comparten en pantalla.
Acomapañan a estos dos monstruos de la interpretación, unos secundarios de auténtico lujo como Edward James Olmos, James Marsden, Fred Ward, la bellísima Paula Patton y el inconmensurable Bill Paxton, al que echábamos muchísimo de menos y que aquí compone un personaje de esos que se recuerdan durante meses.
Resumiendo 2 Guns es una entretenidísima película de acción con dos protagonistas carismáticos, repleta de tiros y explosiones, aderezada con golpes de humor, y que no defraudará a aquellos que busquen en la cartelera un cine de acción honesto, realizado con la única y sana intención de entretener al espectador sin tratarle como a un descerebrado.

Justin y la Espada del valor (Manuel Sicilia, 2013)

Antonio Banderas continúa apostando por el cine de animación español y tras El Lince Perdido vuelve a presentarnos como productor un nuevo producto de la factoría malagueña Kandor Graphics, Justin y la Espada del valor.
Esta aventura dirigida especialmente al público más infantil nos cuenta la historia del joven Justin, obligado a seguir los pasos de su padre y convertirse en abogado en un reino gobernado por burócratas donde, al igual que ocurriera en Star Wars con los Jedi, los caballeros han sido desterrados y prácticamente han desaparecido como orden.
Justin tiene un sueño, seguir los pasos de su abuelo el gran caballero Rolando y convertirse en uno de los míticos caballeros del valor. Y como suele ocurrir en cualquier película de aventuras nuestro protagonista se embarcará en una búsqueda, en este caso para encontrar la legendaria espada de su abuelo Rolando, en un viaje plagado de peligros que le cambiará por completo, y de este modo veremos como al finalizar la película, Justin ha logrado su sueño y alcanzado su destino.
Pero Justin no estará slo en su viaje, le acompañan la guapa y rebelde Talía, a la que presta su voz la actriz Inma Cuesta en la versión española, Sir Antoine, un pícaro mocetón con ínfulas de poder y riquezas al que presta su voz el propio Antonio Banderas, y el divertido Melquiades, un excéntrico hechicero con trastornos de personalidad evidentes, que a más de uno le recordará al televisivo y nunca olvidado Carlos Jesús, en un más que obvio "homenaje".
Entrenado por Blucher, Legantir, y Braulio, tres sabios monjes, antiguos caballeros retirados, Justin conseguirá su propósito no sin antes enfrentarse a una banda de malhechores liderada por Heraclio, un caballero rebelde que fue expulsado de la orden de los caballeros del valor y cuyo plan es derrocar a la Reina y hacerse con el control absoluto del Reino.
Como ya hemos dicho anteriormente, Justin es una agradable película de aventuras con referencias a los mitos artúricos, dirigida especialmente a un público infantil que disfrutará de lo lindo con algunos de los personajes que aparecen en la película, pero que quizá acaba olvidándose un poco del espectador adulto al que no hace concesiones prácticamente en ningún momento de la película, si exceptuamos algunos momentos puntuales y sobre todo las apariciones del personaje de Melquiades que pueden hacer reír al espectador talludito.
A su favor, hay que reconocer que tanto el diseño de personajes como la factura técnica de Justin y la Espada del valor son exquisitos, y en ese sentido la modesta Kandor Graphics puede competir sin complejos con las grandes factorías de animación 3D como Pixar o Dreamworks, aunque quizá deban mejorar en el aspecto de cuidar algo más la historia, los diálogos y la construcción de sus personajes, si además de entretener al niño que va a a ver la película, quieren cautivar a los padres que le acompañen al cine.
En definitiva, una película técnicamente irreprochable que podría haber dado más de sí, y que, sin duda, conseguirá acertar de pleno con el público infantil a la que va dirigida.

Asalto al poder (Roland Emmerich, 2013)

¿Alguien lleva la cuenta de las veces que Roland Emmerich ha destruído en sus películas La Casa Blanca? Pues sumen una más, amigos. Como ya habréis podido comprobar en los trailers, incluso en el cartel de la película, en Asalto al poder, (White House Down en su título original), Emmerich se da el gustazo y una vez más hace volar por los aires el hogar del Presidente de los Estados Unidos, todo un símbolo para los estadounidenses.
El alemán es uno de esos directores cuya filmografía ha sido casi siempre vapuleada por la crítica, pero sin embargo la mayor parte de sus producciones han sido apoyadas por el gran público que siempre responde de manera positivia y acude en masa a ver sus películas palomiteras con la única y sana intención de pasar un rato entretenido en la butaca del cine.
A la espera de la anunciada secuela de Independence Day, uno de los mayores éxitos del director, y tras la personal y entretenida Anonymous, llega esta cinta de acción con ligeros toques de comedia que hará las delicias de los amantes de los blockbusters veraniegos y sobre todo de las películas de acción noventeras, de las que Asalto al poder bebe bastante.
La historia nos cuenta como un grupo de mercenarios se hace con el control de La Casa Blanca con la intención de secuestrar al Presidente de Estados Unidos, con oscuras y aviesas intenciones que no quiero desvelar para que el disfrute del visionado del film sea completo. Pero claro, como ocurriera en la ya clásica Jungla de Cristal, los terroristas deberán vérselas con John Cale, un agente especial que pasaba por allí para una entrevista de trabajo y como ya le suceciera al bueno de John McClane, se encontraba en el momento y lugar equivocados y para colmo, acompañado de su hija.

Partiendo de un argumento tan delirante como divertido, Emmerich sabe perfectamente que teclas tocar para hacer disfrutar al espectador, sobre todo al estadounidense que gozará y sufrirá a partes iguales con algunas de las espectaculares escenas del film.

Channing Tatum, uno de los jóvenes valores del Hollywood actual, se nos presenta aquí como el McClane del Siglo XXI, y no lo hace del todo mal sabiendo conjugar de manera efectiva las escenas de acción con las escenas humorísticas, como ya hiciera en la imprescindible y divertida Infiltrados en clase.
Tatum contará con un inesperado compañero de fatigas, al más puro estilo de las buddy movies, ni más ni menos que James Sawyer, el Presidente de Estados Unidos, interpretado por el solvente Jamie Foxx, que lo mismo interpreta a un esclavo liberado en Django Desencadenado, como al villano Elektro (Arrives) que se enfrenta a Spider-man en la secuela de The Amazing Spider-man de próximo estreno, como a un "obamizado" presidente de los Estados Unidos.

Completan el reparto actores conocidos como Maggie Gyllenhaal, Jason Clarke, Richard Jenkins, destacando a dos por encima del resto: el veterano James Woods que está inmenso y la niña Joey King que da todo un recital y que pese al papel que interpreta de niña repelente sabelotodo no está para nada cargante.

Acción a raudales, espectaculares escenas de vuelos de helicópteros, peleas, tiroteos, villanos over the top, humor, guías turísticos desatados y mucho más encontraréis en esta entretenida película de Emmerich, un honesto director que sabe dar al público justo lo que pide, y que en ésta, su última película hasta la fecha, continúa haciendo el mismo tipo de cine palomitero con el que ha sabido conquistar la taquilla durante años, y cuyos únicos peros quizá sean su excesivo metraje y un final bastante vergonzante que a más de uno le puede provocar un inesperado subidón en el nivel de azúcar.

Elysium (Neill Blomkamp, 2013)

Los aficionados al cine de género le debemos mucho a Peter Jackson, y no solo por su faceta como cineasta que siempre ha estado ligada al género fantástico de una manera u otra, si no también por su importancia como fundador de la companía de efectos especiales Weta Digital, o también por su labor como productor en la película Distrito 9 (2009) con la que descubriríamos al director debutante de origen sudafricano Neill Blomkamp. Es justo señalar que a pesar de venir avalada por Jackson, Distrito 9 fue una cinta de ciencia-ficción que contando con un presupuesto de unos 30 millones de dólares, acabaría cosechando un éxito inusitado convirtiéndose de la noche a la mañana y gracias al boca-oreja en una película que gustó tanto a crítica como a público y acabaría superando los 200 millones de dólares de recaudación.
El éxito de Distrito 9, colocaría a Blomkamp en el punto de mira de las grandes productoras, siendo Sony Pictures quien contrató finalmente al director para su próximo proyecto que acabaría siendo una nueva historia de ciencia-ficción titulada Elysium.
En Elysium, Blomkamp que hace doblete como escritor y director, nos relata una nueva historia de ciencia-ficción distópica, en la que en un futuro cercano la Tierra se ha ido arruinando hasta convertirse en un planeta donde la miseria y la superpoblación han forzado la construcción de la estación espacial en órbita Elysium, habitada por ricos y poderosos que han conseguido huir de las penalidades del planeta Tierra y donde viven con todo tipo de lujos y comodidades en contraposición a los habitantes que se han quedado en la Tierra.
El versátil actor Matt Damon interpreta a Max DaCosta, un tipo corriente que ha conseguido dejar atrás una vida de delincuencia e intenta ganarse la vida como buenamente puede en una fábrica de robots de la Corporación Armadyne.
Todo se complica cuando la vida de Max está en juego y éste intente por todos los medios entrar en Elysium, lo que la Secretaria Delacourt, la encargada de la defensa de la estación espacial, interpretada por Jodie Foster, deberá evitar a cualquier precio, ya que la irrupción de cualquier inmigrante ilegal procedente de la Tierra amenazaría la forma de vida lujosa y opulenta de los habitantes de la estación espacial.
Mención especial merece la participación del también sudafricano Sharlto Copley, actor fetiche del director con el que ya trabajara en su anterior film, que demuestra que es un actor fuera de serie interpretando a Kruger, un personaje "over the top" que se come la pantalla en cada una de sus intervenciones.
A la nada disimulada crítica a nuestra sociedad actual en la que la desigualdad entre ricos y pobres va aumentando progresivamente, siendo más evidente cada día que pasa, el espectador que se acerque al cine a ver Elysium encontrará además una historia de acción, al más puro estilo de los blockbusters de esta época estival, repleta de espectaculares escenas de acción magníficamente rodadas, y unos excepcionales efectos especiales donde destacan especialmente los movimientos de los robots que aparecen en el film.
Lamentablemente, y a pesar de ser un genial creador de mundos distópicos, Blomkamp con su guión nos deja con la sensación de que la historia que nos está contando la hemos visto ya cientos de veces, y esta pierde bastante fuelle sobre todo en la parte final donde la trama cae en lo convencional y todo sucede de forma algo atropellada.
Para aquellos que tengan pensado ir a ver esta película, háganse un favor, y no se les ocurra ver ninguno de los trailers de la misma.
En definitiva, Elysium es una película que no defraudará a aquellos que disfrutaron con la anterior cinta del director sudafricano, pero que puede llegar a decepcionar a aquellos espectadores que busquen algo más en su segundo largometraje.

Posesión Infernal (Evil Dead) (Fede Alvarez, 2013)

Acompañada de una brutal pero eficaz campaña de marketing, se estrena en las pantallas de todo el mundo el esperado remake del Evil Dead de Sam Raimi.
Esta nueva reimaginación del film de culto de 1981, viene avalada por el propio Raimi, que junto al mítico Bruce Campbell y a Robert G. Tapert han producido el debut en la dirección de largometrajes del uruguayo Fede Alvarez, que hace unos años deslumbró al mundo con Ataque de Pánico!, corto que consiguió abrirle las puertas de Hollywood.
Fede Alvarez, Rodo Sayagues y la oscarizada Diablo Cody, son los responsables del guión, y han tomado la historia original de Raimi, han cogido elementos de las dos primeras partes de la trilogía Evil Dead, y han ido añadiendo y modificando algunos elementos a esta nueva historia, para integrarla en la corriente del cine de terror del siglo XXI en el que, por supuesto, no se escatima con las escenas en las que hay abundancia de gore y de litros y más litros de sangre.
Mucho más bruta y excesiva que la original, esta nueva versión no se corta un pelo a la hora de mostrar aquellas escenas que allá en los ochenta Raimi dejara a la imaginación del espectador, y es que no nos engañemos, pero en estos tiempos es difícil asombrar al espectador actual que ya ha visto de todo en el cine de terror.
La historia nos cuenta como Mia, interpretada por la joven actriz Jane Levy, protagonista de la comedia televisiva Suburgatory, viaja junto a su hermano y varios amigos de la infancia a la vieja cabaña familiar para intentar dejar atrás, con la ayuda de sus amigos más cercanos, una parte de su vida que la está consumiendo.
Pero para aquellos que ya conocen la historia original, ya sabrán de lo que los personajes descubren en el sótano de la cabaña, un objeto que despertará algo maligno que habita en el bosque.
El resto del reparto entre los que encontramos entre otros a Shiloh Fernandez ( Caperucita Roja ¿A quién tienes miedo? ), Lou Taylor Pucci (Infectados) o Jessica Lucas (Monstruoso) son rostros jóvenes, que han hecho sus pinitos en series de televisión y en varias cintas de género, y cuyos rostros son menos reconocibles que el de la protagonista, pero a buen seguro poco a poco, y sobre todo gracias a esta cinta pronto sus nombres comenzarán a sonar en el star system hollywoodiense.
Como ya he comentado un poco más arriba, Alvarez no hace concesiones al espectador y además de realizar un sentido homenaje a la obra de Raimi, y aún echando de menos algunos toques de ese humor negro y socarrón tan característico de las películas de Raimi, no se autocensura a la hora de dar al espectador aquello que busca en una película de terror, y de este modo los que vayan al cine a disfrutar de este más que digno remake, se encontrarán con una jugosa y excesiva sucesión de sustos, gore y escenas escalofriantes que quedarán para siempre en la memoria del espectador.
En definitiva, nos encontramos ante una entretenida cinta de terror, una modesta producción de 17 millones de dólares que a buen seguro será todo un éxito de taquilla y de la que ya se ha confirmado su secuela, y en la que, en su hora y media de metraje, ya sea gracias a los temas compuestos por el español Roque Baños que consiguen crear una perfecta y terrorífica atmósfera, y a los eficaces y artesanales efectos especiales, los sustos están más que asegurados en este remake que, lejos de contarnos igual otra vez la misma historia plano a plano, elige su propio camino y nos da otra versión diferente, y a su vez fiel al original de Sam Raimi. Una película que contentará tanto a los que conozcan la película original de 1981, como a los nuevos espectadores que no hayan oído hablar nunca de la película de culto original y solo conozcan al director por su reciente Oz, un mundo de fantasía.
Y por supuesto aquellos espectadores que esperen hasta el final de los créditos, verán su paciencia recompensada con una escena final que hará las delicias de los aficionados a la saga de Raimi.

Django Desencadenado (Quentin Tarantino, 2013)

Con cinco nominaciones a los Oscar, entre ellas dos categorías tan importantes como Mejor película y Mejor Guión Original, y con dos flamantes Globos de Oro en su haber, el otorgado a Christoph Waltz como Mejor actor de reparto (también nominado para los Oscar) y el de Mejor guión original, mañana llega a los cines de toda España Django Desencadenado, el esperado último trabajo del cineasta Quentin Tarantino.
Han sido tres años de larga espera pero tras disfrutar como un enano de los 165 minutos de la última película del director de Pulp Fiction, solo puedo decir que las expectativas no se han visto defraudadas y que la espera ha merecido muchísimo la pena.
Tras abordar en Malditos Bastardos un género como el bélico, tan alejado del noir de sus propuestas iniciales, Quentin Tarantino ha querido probar fortuna con el western y para ello ha sabido extraer de sus múltiples y variadas referencias cinéfilas los ingredientes para este explosivo cóctel que además de estar aderezado por una potente y heterogénea banda sonora, toma prestados la canción original y por supuesto el nombre del personaje del spaghetti western Django, dirigida en 1966 por Sergio Corbucci y protagonizada por Franco Nero.
Y no señores, Django Desencadenado no es un remake, es otra cosa muy diferente, es una experiencia cinematográfica sin igual que a pesar de su larga duración, apenas se me hizo pesada y que ha conseguido quitarme el regustillo agridulce que en su día me dejaron sus Bastardos.
La historia nos traslada a un par de años antes de la Guerra Civil y nos presenta al cazarrecompensas Dr. King Schulz, sin duda uno de los personajes más carismáticos que han salido nunca de la pluma de Tarantino, interpretado magistralmente por Christoph Waltz, que tomará bajo su protección al esclavo recién liberado Django, interpretado por Jamie Foxx, para que le ayude en la busca y captura de unos bandidos a los que pretende dar caza.
A partir de ahí la historia se convierte en un western "de los de toda la vida" con la personal visión Tarantiniana, en el que no faltan grandes dosis de humor, y donde ambos personajes compartirán un viaje que les llevará en pos de la esposa de Django que también fue vendida como esclava a un terrateniente sureño llamado Calvin Candie, interpretado por un Leonardo DiCaprio que está enorme componiendo a este peculiar personaje francófilo.
Completan el reparto Samuel L. Jackson, que está inmenso interpretando al esclavo "Tío Tom" Stephen, que injustamente no ha recibido otra nominación al Oscar como mejor actor de reparto, junto a la de su compañero Waltz, el televisivo Walton Goggins, y varios cameos que no nombraremos para no desvelar la sorpresa a los espectadores.
En Django, Tarantino se ha permitido homenajear a los grandes directores del género y nos muestra esos bellísimos planos de los personajes cabalgando en espacios abiertos tan característicos del género. Estando ambientada en el Sur, el director trata el siempre peliagudo tema del racismo con su habitual sentido del humor en un par de escenas de lo más divertidas de la película, y sobre todo, y como no podía ser de otra manera, cuando la violencia, la sangre y los tiros hacen acto de presencia en la pantalla el espectador debe rendirse ante las poderosas imágenes propuestas por el director y dejarse llevar por la acción desenfrenada. 
Quizá los únicos peros que se les pueda poner a esta excelente cinta sean el poco protagonismo de un Jaime Foxx totalmente eclipsado por su compañero de fatigas de origen alemán, ese pequeña vuelta de tuerca al final que que a más de uno dejará algo descolocado y puede también que algunos, no será mi caso, se quejen de la excesiva duración de la película.
En definitiva, Django Desencadenado es una muy recomendable película con las dosis justas de acción, comedia y drama, que nos muestra la madurez de un director que dejó atrás hace muchos años los calificativos de joven promesa y enfant terrible para convertirse en toda una realidad, que muy fiel a su estilo ha sabido ganarse un lugar en el panteón de los grandes de Hollywood.

Hotel Transilvania (Genndy Tartakovsky, 2012)

El próximo viernes 26 se estrena en los cines de toda España Hotel Transilvania, la última cinta de Sony Pictures, cuya división de animación ya nos trajo hace unos años esa delicia titulada Lluvia de albóndigas. Dirigida por Genndy Tartakovsky, ese genio de la animación tradicional o 2D, creador de series tan importantes e influyentes como Las Supernenas, El laboratorio de Dexter, Samurai Jack o Star Wars: Las Guerras Clon, que con este título debuta en la dirección de largometrajes de animación por ordenador en tres dimensiones, que cuenta con el aliciente del 3D.
El argumento de Hotel Transilvania es de lo más sencillo, el conde Drácula tras una mala experiencia con los seres humanos decide construir un hotel donde alejarse del mundo y que le servirá como refugio para él y para su hija Mavis que ha criado él solo desde muy pequeña. Al llegar a los 118 años de edad, Drácula invitará a todos sus amigos (prácticamente a todos los monstruos y criaturas terroríficas conocidas en la cultura popular) para celebrar juntos una gran fiesta en honor de su hija Mavis. Todo se complicará cuando al hotel y a la fiesta llega Jonathan, un joven mochilero que está de viaje por tierras transilvanas y que desencadenará los momentos más divertidos e hilarantes de la película.
Con esta premisa Tartakovsky sabe dirigir una entretenida cinta que se pasa en un santiamén y que apenas decae en ningún momento, sabiendo dosificar los escasos momentos empalagosos de la siempre inevitable historia de amor, y centrándose especialmente en los abundantes gags y en las situaciones cómicas que hacen de esta cinta una divertida propuesta para toda la familia y especialmente recomendable para el próximo día 31 de octubre, fecha en la que de un tiempo a esta parte venimos celebrando en nuestro país la noche de Halloween.
Como productor (y como voz de Drácula en su versión original) encontramos a Adam Sandler que impregna de su peculiar sentido del humor muchos de los gags que aparecen en la cinta, y cuyo argumento puede recordar a algunas de sus últimas películas en las que el viejo grupo de amigos vuelve a reunirse tras un tiempo separados y donde se suceden las situaciones cómicas.
En la versión que nos llega a las pantallas españolas el doblaje ha corrido a cargo de rostros conocidos de la gran y pequeña pantalla como Santiago Segura, Clara Lago, Dani Martínez, Alaska y Mario Vaquerizo y hay que señalar que aún no siendo actores de doblaje, digamos profesionales, sus voces no desentonan especialmente y una vez que empieza la película uno se olvida por completo de quién pone las voces a tal o cual personaje. Destacan especialmente Clara Lago, Dani Martínez y sobre todo Santiago Segura que pone un divertido acento transilvano al personaje de Drácula.
Como curiosidad hay que indicar que en los créditos que aparecen al final de la película podemos disfrutar con los personajes animados tradicionalmente con el estilo de Tartakovsky.
En definitiva, el director Tartakovsky pasa con bastante buena nota su paso de las series animadas "tradicionales" al largometraje en 3D con esta divertida historia que es, como ya he escrito antes, especialmente recomendable para la fecha terrorífica que se aproxima y con la que las risas están aseguradas.
Servidor se ha quedado con ganas de más Tartakovsky, así que hasta 2014 fecha en la que nos llegará el próximo proyecto del animador ruso, una película de animación 3D dedicada a Popeye, intentaré rellenar mis huecos en cuanto a sus obras de animación se refiere visionando algunas de sus series de animación como Samurai Jack o Sym-Bionic Titan.

Sin frenos (David Koepp, 2012)

Después de ver el trailer de Sin frenos, quizá lo único que me llamaba la atención era que estaba dirigida por David Koepp, un guionista/director que en su faceta de guionista ha participado en éxitos de Hollywood tan potentes como Ángeles y demonios, la cuarta entrega de Indiana Jones, La guerra de los mundos o el Spider-man de Sam Raimi; y que en su faceta como director ha realizado películas no tan conocidas como las anteriores, pero tan interesantes como Me ha caído el muerto, La ventana secreta, El último escalón o The Trigger Effect (El efecto dominó).
Y tras su visionado, solo puedo decir que Sin frenos es una gran elección para ir al cine este fin de semana, ya que Koepp, que en esta cinta escribe y dirige, ha conseguido un más que aceptable thriller con ligeros toques de comedía que recuerda mucho a ese tipo de cine de entretenimiento que estuvo tan de moda durante los años ochenta y que parece que está volviendo poco a poco a las carteleras durante los últimos tiempos, algo que es de agradecer.
Sin frenos cuenta la historia de Wilee, un mensajero que se gana la vida en la ciudad de Nueva York jugándose el tipo con su bicicleta cada día en una ciudad donde el tráfico, los taxistas y los peatones son un peligro constante y de buenas a primeras, y sin saber muy bien como, comienza a ser perseguido por toda la ciudad por un misterioso personaje que va tras la pista de un sobre cuya entrega Wilee debe hacer en una cuenta atrás mortal que deparará al espectador unas espectaculares y adrenalíticas persecuciones a través del peligroso tráfico de las calles de Manhattan. 
El personaje protagonista está interpretado por Joseph Gordon-Levitt (The Dark Knight Rises, Looper), uno de los actores de moda en Hollywood, que lo hace estupendamente encarnando al mejor de los mensajeros en bicicleta de Nueva York, un personaje con una mezcla de habilidad y chifladura, en una constante huida hacia adelante cuyo lema es piñón fijo, cuadro de acero, sin frenos.
Por su parte Michel Shannon (Take Shelter) interpreta al villano de la función y realiza un extraordinario trabajo poniéndose en el papel de un tipo pasado de vueltas que no se detendrá ante nada para conseguir el contenido del sobre que Wilee deberá proteger con su vida.
En otros papeles secundarios hay que destacar la participación de las actrices Dania Ramirez y Jamie Chung y del actor Wolé Parks.
Como ya he dicho unas líneas más arriba, Sin frenos, es una estupenda elección para ir al cine este fin de semana si uno no sabe muy bien que ver, ya que Koepp en los 91 minutos de metraje nos cuenta una historia muy entretenida, dirigida con un ritmo endiablado y con unas muy acertadas soluciones estéticas y narrativas que sorprenderán a más de uno, y que hacen de esta cinta todo un deleite visual.
No quiero acabar esta reseña sin mencionar que tras ver esta película uno se queda con las ganas de, primero, visitar la ciudad de Nueva York, a pesar del caos circulatorio mostrado en Sin frenos, y segundo, montarse en una bicicleta (sin frenos, por supuesto) y pedalear sin parar esquivando coches a diestro y siniestro por avenidas tan transitadas como el Paseo de la Castellana.

Desafío Total (Len Wiseman, 2012)

Este viernes llega a los cines de toda España la nueva versión de Total Recall, el esperado remake de Desafío Total, película dirigida en 1990 por el director de origen holandés Paul Verhoeven y protagonizada por la megaestrella Arnold Schwarzenegger.
Es inevitable que tras ver este remake dirigido por Len Wiseman, director de Underworld, Underworld: Evolution y La jungla 4.0, surjan las comparaciones con el original del que parte, y aunque hay bastantes diferencias significativas en la historia principal, el argumento de partida es prácticamente el mismo, y podemos decir que nos encontramos ante un remake bastante fiel a la película de Verhoeven, y que además contentará a sus fans más fieles ya que la película está plagada de guiños y homenajes al film de Schwarzenegger.
He de confesar que no he leído el relato original "We Can Remember It for You Wholesale" en el que se han basado ambos films, así que tampoco puedo decir cual de los dos es el que más se ciñe a lo que escribió en su día Philip K. Dick, pero el argumento, que de la mano de Verhoeven se convertía en un enrevesado rompecabezas en el que el espectador no sabía muy bien si lo que estaba viviendo el personaje protagonista era realidad o ficción, en esta nueva versión protagonizada por Colin Farrell, la acción y los efectos especiales se imponen a un guión mucho más sencillo que cumple únicamente dando las claves necesarias para continuar la trama, salvo en algún momento puntual donde si se plantean tímidamente esas dudas en el protagonista, y por ende en el espectador.
La historia nos sitúa a finales del siglo XXI, donde la Tierra ha quedado inhabitable para todo ser humano, y el grueso de la población se ha asentado en los dos únicos lugares habitables de la Tierra, la United Federation of Britain (UFB) y la Colonia, estableciéndose una separación bastante evidente entre la población con recursos en la primera y una población que sirve como mano de obra en fábricas de robots llamados sintéticos, en la segunda, estando ambos lugares comunicados por La Cascada, un medio de transporte que atraviesa la Tierra de un extremo a otro.
Uno de estos trabajadores es Douglas Quaid, que hastiado de su vida gris y anodina junto a su mujer Lori, interpretada por Kate Beckinsale, y debido a un sueño que se repite en su cabeza noche tras noche, decide ir al centro Rekall donde le implantan una serie de falsos recuerdos pudiendo elegir la vida que él quiera. Quaid elige ser un agente secreto doble y es en ese momento cuando todo se complica y la acción, casi sin pausa, se apodera de la película y así vemos como el personaje interpretado por Colin Farrell comienza a ser perseguido por su supuesta esposa y por el cuerpo policial de los Centinelas ya que supuestamente era un agente secreto al que se le habían borrado sus recuerdos, y en su ayuda acudirá Melina, una joven que aparecía en los sueños recurrentes de Quaid, que resulta ser un miembro de la resistencia que se opone al Canciller Cohaagen, interpretado por Bryan Cranston (Breaking Bad).
En el apartado interpretativo Farrell cumple eficazmente como héroe de acción, mientras que las breves apariciones del malvado Cranston saben a poco; por su parte en el lado femenino del reparto, Jessica Biel realiza un más que correcto papel profundizando en el pasado del protagonista y como interés amoroso del héroe, mientras Lori Quade, el papel interpretado por Kate Beckinsale, toma mucho más protagonismo que el papel que interpretó Sharon Stone en la cinta original (no olvidemos que es la esposa del director) y aquí se convierte prácticamente en la villana de la función eclipsando con su perfidia al personaje de Cohaagen.
Los puntos positivos del film son, sin duda, las variadas escenas de acción y persecuciones que son espectaculares, los magníficos diseños de producción de la UFB y de la Colonia, en los que no se ha escatimado en detalles y en efectos especiales para crearlos y así podemos ver infinidad de extras, casuchas apiñadas, edificios futuristas y coches voladores por doquier. Mientras que en el otro lado de la balanza nos encontramos con que algunas escenas puedan recordarnos demasiado a otras películas como Minority Report, Yo, Robot o a Blade Runner, y también que se echa mucho de menos el humor negro de la cinta de Verhoeven.
En definitiva, y si acudáis este viernes al cine a ver Desafío Total, os encontaréis con un entretenido trhiller de acción futurista con unos espectaculares efectos especiales, y con un remake que cumple quizá demasiado fielmente con el original, apenas aportando nada nuevo de su propia cosecha a esta nueva versión de Total Recall.

MIB3 (Men in Black 3) (Barry Sonnenfeld, 2012)

Mañana llega a las pantallas españolas la tercera entrega de Men in Black, y como no podía ser menos se estrena en 3D. Esta nueva aventura de los agentes J y K, cuenta con prácticamente el mismo equipo: Barry Sonnenfeld en la dirección, Danny Elfman compone la ya mítica música y en los papeles protagonista snos encontramos con Will Smith y Tommy Lee Jones, muy bien acompañados en esta ocasión por Josh Brolin, que interpreta a un joven K en el pasado.
Como todo el mundo sabe o ya debería saber tras ver las dos entregas anteriores la historia de Men in Black está basada en los cómics del mismo nombre creados por Lowell Cunningham, que junto a otros guionistas de renombre como Etan Cohen (no confundir con Ethan Coen de los Hermanos Coen), o David Koepp participia en el guión de esta tercera entrega.
La historia es bastante sencilla y cuenta con varios elementos clásicos de las películas de ciencia-ficción como el tan socorrido viaje en el tiempo, que en esta ocasión y gracias a un excelente trabajo de producción artística nos permite ver como fue el año 1969, que es el año al que el agente J (Smith) debe viajar en el tiempo para evitar que se produzca una invasión alienigena, y también impedir que el  peligroso asesino alienigena Boris el animal asesine a su compañero K, y de paso conocer un secreto de su pasado que hasta ahora desconocía.
En cuanto al 3D hay que señalar que está muy bien aprovechado en algunas escenas puntuales, como la primera escena de la película en la que Boris se fuga de la prisión en la que está encerrado y sobre todo encontramos unas 3D en todo su esplendor es en la espectacular escena en la que Will Smith "salta" en el tiempo.
Los actores están realmente genial y da gusto volver a ver a Will Smith en forma, tras varios años en los que dejó un poco de lado su carrera como actor para centrarse en la emergente carrera como actor de su hijo Jaden. Poco podemos decir ya de Tommy Lee Jones que sigue bordando el personaje de K, que con esa cara esculpida en piedra sigue mostrando sin apenas aspavientos el caracter tan reservado del personaje.
A destacar las nuevas incorporaciones en las que encontramos a Emma Thompson que interpreta a la agente O, la nueva jefe de los Hombres de Negro y sobre todo a Josh Brolin, que  interpreta de manera magistral a un jovencito agente K, consiguiendo copiar todas y cada una de sus expresiones (o falta de ellas) faciales y es que podríamos decir que estamos viendo en pantalla a un joven Tommy Lee Jones recreado mediante técnicas digitales.
En definitiva, la película cuenta con bastante ritmo, no se hace para nada larga (dura unos muy justos 103 minutos) y se ve con bastante agrado gracias a que está plagada de chistes (algunos más graciosos que otros) desde el primer minuto hasta el último, y cuenta con varias escenas de acción bastante espectaculares.
Esta tercera parte no es la mejor de la (hasta ahora) trilogía, pero cuenta con el aliciente, con respecto a las anteriores, de que es en 3D y es bastante entretenida aunque el humor negro que habiamos visto en las dos entregas anteriores ha dejado su lugar a un humor algo más blanco dirigido a toda la familia.

30 minutos o menos (Ruben Fleischer, 2011)

El pasado viernes se estrenaba 30 minutos o menos, el nuevo trabajo del director Ruben Fleischer, al que en esta casa tenemos en gran estima gracias a su opera prima Bienvenidos a Zombieland (2009), una divertida película en la que supo conjugar bastante acertadamente dos géneros a priori antagónicos como son las comedias y las películas de zombies.
En este su segundo trabajo Fleischer también gusta de la mezcla y combina de nuevo con bastante acierto el humor pero en en esta ocasión cambia el género de zombies por la acción.
30 minutos o menos cuenta la historia de Nick, un repartidor de pizzas fracasado interpretado por Jesse Eisenberg (La red social) que de buenas a primeras se ve raptado por un par de perdedores interpretados por Danny McBride (Caballeros, princesas y otras bestias) y Nick Swardson (Zohan), que le obligaran mediante una bomba pegado a su cuerpo a robar un banco. Para esta peligrosa tarea pedirá ayuda a su amigo de la infancia Chet, interpretado por Aziz Ansari (Parks and Recreation), y juntos cometerán el robo.
Las dobles parejas cómicas que forman Eisenberg-Ansari y McBride-Swardson funcionan bastante bien a base de química, pero sin duda cabe destacar la actuación de Ansari y la del, en ocasiones, bastante cargante Danny McBride, que aquí está bastante soportable e interpreta a un personaje desagradable pero que cae simpático.
Mención aparte merece el actor Fred Ward, uno de esos actores tótems de las películas de los años ochenta, eterno secundario, que aquí es recuperado por Fleischer para interpretar a El Mayor, personaje que desencadena toda la trama de la película.
Con un guión más que normalito que, eliminando los gags y los diálogos graciosos, perfectamente podrían haber firmado unos primerizos Hermanos Coen y que hubieran convertido la cinta en un anodino thriller más de esos que hemos visto más de mil veces. Por el contrario Fleischer, apenas da respiro al espectador y 30 minutos o menos se presenta como una comedia de acción en la que sus 83 minutos de duración se pasan prácticamente volando logrando su director el objetivo que toda buena comedia debería conseguir o al menos intentar que es el de hacernos reír con esta frenética película que a más de uno le hará recordar un montón de películas de temática similar que se rodaron durante los años ochenta, sobre todo al escuchar el mítico tema The heat is on de Glenn Frey que forma parte de la banda sonora.
En resumen, una divertida y deliciosa comedia que gustará por partes iguales a los fans del humor y de la acción que tendrán carcajadas aseguradas. Por cierto, si pueden es obligatorio quedarse al final de los créditos para ver la sorpresa final.

Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio 3D (Steven Spielberg, 2011)

Tres años después de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, cinta que para muchos (entre los que me incluyo) supuso una pequeña decepción y un leve borrón en la intachable carrera del director Steven Spielberg, llega a nuestras pantallas Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, una de las últimas películas dirigidas por el Rey Midas de Hollywood, que mañana se estrena en todo el mundo.
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio está basada en el álbum homónimo y nos presenta al personaje de Tintín, interpretado por Jaime Bell, que junto a su inseparable perro Milú descubrirá una vieja maqueta del barco El Unicornio que esconde un misterioso secreto que le llevará a indagar porque es tan codiciado por un malvado personaje llamado Ivan Ivanovitch Sakharine, sensacionalmente interpretado por Daniel Craig. La búsqueda de tan deseado secreto llevará a Tintín a recorrer el largo y ancho mundo acompañado, como no podía ser menos por el inconmensurable Capitán Haddock, interpretado por Andy Serkis, y los detectives Hernández y Fernández, a los que prestan sus voces y movimientos los actores británicos Simon Pegg y Nick Frost.
En una revolucionaria técnica que auna la animación digital y la captura de movimientos, Spielberg ha sabido captar fielmente el espíritu de los personajes creados por el dibujante belga Hergé en una historia que recupera ese tan añorado sentido de la maravilla de las antiguas películas y seriales de aventuras con los que sin duda creció el pequeño Steven durante su infancia y que tan bien supo recrear en los años ochenta en sus películas de Indiana Jones.
Para esta adaptación de la obra de Hergé, que a buen seguro no defraudará a los fans más acérrimos de la obra de Hergé, Spielberg ha sabido rodearse de colaboradores de auténtico lujo como el maestro John Williams, que firma una banda sonora que nada tiene que envidiar a sus más famosas creaciones; el neozelandés Peter Jackson ha ejercido como productor, mientras que los británicos Steven Moffat, conocido por sus famosas series Dr. Who y Sherlock, y Edgar Wright, director de Zombies Party o Scott Pilgrim, se han encargado del guión y de los divertidos diálogos.
La película apenas da respiro al espectador y ya desde la maravillosa secuencia de créditos que abre la película, los 107 minutos de metraje son un no parar de acción, aventuras, humor y por supuesto piratas todo aderezado con un montón de guiños y referencias a los álbumes de personaje conforman una deliciosa aventura que gustará a todos los miembros de la familia y que supone la primera entrega de las tres aventuras de Tintín que Spielberg tiene planeado rodar.
Si quieren gozar de lo lindo, háganme caso y vayan a verla en 3D, me lo agradecerán.